Budaya

Oktober 23 2026

MENITI RITUS MENEMPA TUBUH (Sekelumit catatan pengalaman menonton gelar karya Tubuh Ritus)

Ada kalanya tubuh bergerak untuk menguji dirinya sendiri. Seberapa jauh ia mampu menahan beban, menjaga keseimbangan, mengendalikan dorongan, dan bertahan ketika berhadapan dengan sesuatu yang mengancam kestabilannya. Dalam TUBUH RITUS, sebuah garapan tari kontemporer karya Tri Putra Mahardhika yang dipentaskan di Gedung Teater Arena, Taman Budaya Jambi, 20 Oktober 2026, tubuh menjadi pusat penjelajahan artistik tersebut.

Berangkat dari tradisi Niti Antui Suku Anak Dalam, karya ini membawa persoalan tradisi ke dalam bahasa gerak kontemporer. Tri Putra Mahardika yang tumbuh dalam lingkungan akademik ISBI Bandung, menghubungkan tradisi tersebut dengan ujian kedewasaan, pengendalian diri, dan tantangan kehidupan. Dalam konteks itu, tubuh bukan sekadar medium estetis, melainkan tempat berlangsungnya suatu ujian. Bagaimana pengalaman yang berakar pada tradisi tersebut diterjemahkan menjadi pengalaman artistik yang kemudian dapat dirasakan penonton?

Sepanjang pertunjukan berlangsung, para penari membawa tumpukan piring kaca di atas kepala. Ada pula fragmen ketika mereka menyusun batu dan berjalan di atas piring. Gerak berlangsung lambat, hati-hati, dan cenderung minimalis. Dengan dukungan pencahayaan yang membangun suasana remang kebiruan, pertunjukan menghadirkan atmosfer yang terasa magis. Piring kaca menjadi elemen visual yang menonjol. Benda itu rapuh, sementara tubuh yang membawanya dituntut untuk tetap stabil. Gerak sekecil apa pun seolah memiliki konsekuensi. Penari tidak bisa begitu saja menghamburkan energi atau mengubah arah tanpa perhitungan. Tubuh harus mengukur ruang, mengendalikan gerak, dan menjaga keseimbangan.

Pada momen tertentu, gerak lambat bukan semata-mata pilihan tempo. Ia berpotensi menjadi perangkat dramaturgis yang mengajak penonton memperhatikan proses pengendalian tubuh. Ketegangan tidak dibangun melalui ledakan gerak atau perubahan tempo yang drastis, melainkan melalui kemungkinan bahwa keseimbangan dapat terganggu sewaktu-waktu. Susunan batu dan tindakan berjalan di atas piring memperluas pengalaman tersebut. Tubuh berhadapan dengan permukaan, beban, dan ruang yang membatasi keleluasaannya. Yang menarik bukan hanya kemampuan teknis penari mempertahankan posisi, tetapi juga bagaimana gerak menghadirkan kesan bahwa keseimbangan merupakan sesuatu yang harus terus diperjuangkan.

Meski demikian, kecakapan fisik tidak dengan sendirinya menghasilkan kedalaman makna. Tantangan koreografi adalah mengubah keterampilan menjaga keseimbangan menjadi perkembangan pengalaman yang disajikan di panggung. Penonton perlu merasakan bukan hanya kesulitan gerakan, melainkan juga alasan mengapa ujian tubuh itu penting dalam keseluruhan bangunan pertunjukan.

Hal yang menonjol dalam TUBUH RITUS adalah minimnya interaksi antarpemain. Hampir sepanjang pertunjukan, masing-masing penari seolah sibuk dengan tugas tubuhnya sendiri. Mereka hadir dalam ruang yang sama, tetapi tidak banyak membangun hubungan melalui respons gerak, tatapan, atau tindakan yang saling memengaruhi. Keterpisahan ini membuka kemungkinan pembacaan bahwa ujian yang dihadapi merupakan pengalaman individual. Setiap tubuh harus mengendalikan dirinya sendiri, menjaga beban, dan mempertahankan keseimbangan tanpa banyak campur tangan tubuh lain.

Setakat ini, muncul pertanyaan dramaturgis. Jika Niti Antui berakar pada prosesi adat yang memiliki makna sosial, bagaimana dimensi kolektif itu diterjemahkan ke dalam koreografi? Apakah keterpisahan antartubuh memang dimaksudkan untuk menegaskan perjuangan individual atau justru membuat hubungan sosial yang melatari tradisi tersebut kurang terasa? Tentu tari tidak harus menjelaskan konteks tradisi secara literal. Sebuah karya kontemporer, pengkarya berhak mengubah bentuk, menggeser penekanan bahkan menawarkan tafsir yang berbeda dari sumbernya. Akan tetapi, transformasi artistik tetap perlu membangun hubungan yang meyakinkan antara gagasan, komposisi gerak, dan pengalaman penonton. Keterpisahan tubuh dapat menjadi strategi yang kuat apabila menghasilkan ketegangan atau membangun antisipasi terhadap suatu peristiwa. Sebaliknya, apabila pola hubungan itu berlangsung relatif datar, repetisi berisiko menjadi keadaan yang menetap tanpa perkembangan dramatik yang cukup terasa.

Perubahan penting muncul pada adegan menjelang akhir pertunjukan. Para penari menghubungkan tubuh mereka melalui tongkat bambu yang ditempatkan pada bagian perut. Mereka saling menekan, membentuk hubungan fisik yang membuat setiap tubuh berhadapan langsung dengan tekanan dari tubuh lainnya. Adegan ini menjadi menarik justru karena berbeda dari pola interaksi sebelumnya. Jika pada bagian-bagian terdahulu tubuh tampak menjalani ujiannya masing-masing, kini tubuh-tubuh itu terhubung dalam suatu konfigurasi yang menuntut penyesuaian bersama.

Tongkat bambu tidak lagi sekadar menjadi benda yang dipegang. Ia menjadi perantara hubungan sekaligus penyalur tekanan. Gerakan satu tubuh berpotensi memengaruhi posisi tubuh lain. Keseimbangan tidak lagi sepenuhnya menjadi urusan individual, sebab setiap penari harus mempertahankan posisinya dalam hubungan yang saling membatasi. Di sinilah muncul kemungkinan pembacaan yang lebih luas, kemampuan mengendalikan diri tidak selalu cukup ketika seseorang berhadapan dengan orang lain. Ada tekanan yang datang dari luar dirinya, ada posisi yang harus dinegosiasikan, dan ada keseimbangan yang hanya dapat dipertahankan melalui penyesuaian antartubuh. Apakah adegan tersebut hendak menggambarkan perjuangan kolektif, pertentangan, atau ketergantungan? Pertunjukan tidak memberikan jawaban verbal yang pasti. Namun, ketidakpastian itu dapat menjadi produktif selama hubungan fisik yang dibangun mampu menimbulkan pertanyaan yang bermakna bagi penonton.

Sebagai satu-satunya bagian yang secara jelas mempertemukan tubuh melalui tindakan saling menekan, ia memiliki bobot visual yang kuat. Akan tetapi, kekuatan sebuah adegan akhir tidak hanya ditentukan oleh intensitas citranya. Ia juga bergantung pada seberapa jauh pengalaman sebelumnya telah mempersiapkan peristiwa tersebut. Jika keterpisahan para penari sejak awal dibaca sebagai pembangunan jarak menuju pertemuan, adegan tongkat bambu dapat berfungsi sebagai perubahan relasi yang signifikan. Namun, jika hubungan itu tidak memperoleh persiapan yang cukup, ending tersebut berisiko terasa sebagai citra yang menarik tetapi belum sepenuhnya menyatu dengan perkembangan dramaturgi sebelumnya.

Hubungan TUBUH RITUS dengan Niti Antui pada akhirnya tidak cukup dibaca dari kemiripan bentuk gerak. Yang lebih penting adalah bagaimana gagasan yang terkandung dalam tradisi tersebut mengalami transformasi ketika dipindahkan ke panggung. Tradisi dapat menjadi titik berangkat bagi penciptaan tanpa harus direproduksi secara utuh. Koreografer dapat memilih aspek tertentu, memperluasnya, atau mengubahnya menjadi persoalan yang lebih universal. Dalam karya ini, keseimbangan, pengendalian diri, beban, dan tekanan antartubuh menyediakan kemungkinan untuk membaca ujian sebagai pengalaman manusia yang tidak berhenti pada individu.

Perlu dibedakan antara makna tradisi yang terdokumentasi, maksud pencipta, dan tafsir yang lahir dari pengalaman menonton. Ketiganya dapat saling berhubungan, tetapi tidak otomatis identik. Pembacaan terhadap simbol-simbol panggung juga tidak seharusnya menggantikan pengetahuan mengenai konteks budaya masyarakat pemilik tradisi. Di sinilah tantangan tari kontemporer yang berangkat dari tradisi lokal: bukan sekadar bagaimana tradisi terlihat menarik di panggung, melainkan bagaimana transformasi bentuk menghasilkan pengalaman artistik yang tetap memiliki hubungan bermakna dengan sumber penciptaannya.

TUBUH RITUS menghadirkan pengalaman visual yang bertumpu pada gerak lambat, konsentrasi, keseimbangan, dan atmosfer ritualistik. Piring kaca, susunan batu, serta tongkat bambu menjadi elemen penting dalam membangun hubungan antara tubuh dan risiko. Adegan terakhir menawarkan kemungkinan pembacaan yang lebih luas tentang tekanan dan ketergantungan antartubuh. Namun, kekuatan citra visual itu perlu dilihat berdampingan dengan persoalan perkembangan dramaturgi. Minimnya interaksi sepanjang pertunjukan membuat adegan akhir memikul beban besar untuk membangun hubungan antartubuh. Pertanyaan yang tersisa adalah apakah hubungan tersebut telah tumbuh secara bertahap atau baru muncul sebagai peristiwa menjelang penutupan. Ketika lampu padam, para penari tidak lagi terlihat, tetapi persoalan tentang keseimbangan belum tentu ikut berakhir. Tubuh mungkin dapat menjaga dirinya sendiri, tetapi bagaimana ketika keseimbangannya bergantung pada tubuh lain? Ketika setiap tubuh saling memberi tekanan, apakah yang tercipta adalah kestabilan kolektif atau justru kerentanan bersama

TUBUH RITUS akhirnya meninggalkan hal yang layak direnungkan. Keseimbangan bukan keadaan yang selalu dapat dicapai sendirian, dan setiap upaya mempertahankannya selalu berhadapan dengan sesuatu yang lain, beban, batas, atau tubuh-tubuh lain yang berada di sekitar kita.

Penulis: Titas Suwanda
Editor: Oky Akbar

Oktober 19 2026

Menjaga Dapur Sendiri, Merawat Panggung Bersama

icopake Budaya, Pendidikan 0

Keberhasilan sebuah sanggar seni tak hanya diukur dari karya, panggung atau piala yang diraih. Peran tersentralnya terletak pada seberapa luas sanggar mampu menghidupkan ekosistem kesenian di sekitarnya. Sanggar tidak boleh bergerak terisolasi sebagai menara gading. Sanggar perlu hadir sebagai ruang tumbuh yang menyambungkan gagasan, mematangkan seniman muda, dan membagikan panggung bagi komunitas lain.

Pembelajaran seni tari di tingkat akar rumput membutuhkan ekosistem bertumbuh yang berkelanjutan. Latihan rutin di dalam sanggar membentuk pondasi teknik dan pembentukan karakter penari. Kendati demikian, proses belajar akan mandek bila tidak ditunjang oleh iklim pertunjukan yang sehat. Tanpa ruang jumpa penonton yang rutin, kerja latihan berisiko berhenti sekadar sebagai rutinitas internal daripada menjadi bagian dari rantai produksi artistik yang hidup.

Kebutuhan akan jam terbang menjadikan festival inisiatif sanggar amat krusial. Berbeda dari helatan birokrasi yang bergantung pada kalender anggaran dan kerap kaku, festival bentukan sanggar lahir dari kebutuhan riil komunitas. Contoh nyata terperagakan melalui Padepokan Seni Bagong Kussudiardja di Yogyakarta. Melalui program Jagongan Wagen dan Festival Panggung Komunitas, lembaga yang didirikan oleh maestro Bagong Kussudiardja ini konsisten menyediakan panggung serta residensi berkala bagi seniman muda lintas daerah untuk menguji karya eksperimental mereka.

Semangat serupa tumbuh kukuh di Sumatera melalui Sanggar Sekintang Dayo di Jambi. Di samping menjalankan pelatihan berjenjang dan penciptaan karya mandiri bersama koreografer Eri Argawan serta tim pemusiknya, mereka mengorganisasi festival tari tahunan Lah Puar Jelupung Tumbuh. Memasuki penyelenggaraan ke-XIV, festival ini terbukti mengisi kekosongan ruang pertunjukan independen dan memberi panggung berkala bagi sanggar-sanggar di sekitarnya untuk menempa kepenarian serta kualitas karya.

Keberlanjutan festival Lah Puar Jelupung Tumbuh mendudukkan Sekintang Dayo dalam level kelas tersendiri. Ketika mayoritas sanggar di Jambi masih disibukkan oleh rutinitas latihan internal atau berburu gelar di panggung perlombaan, Sekintang Dayo melangkah lebih jauh dengan membentangkan panggung bagi kelompok lain. Keberanian mengambil peran sebagai penyelenggara wadah bersama ini menegaskan posisinya sebagai salah satu pelopor pergerakan sanggar tari di Jambi.

Eksistensi menjaga kelasnya sempat diuji ketika kondisi kesehatan Eri Argawan menurun bersamaan dengan masa purnatugas beliau sebagai ASN. Masyarakat seni di Jambi sempat menanti dengan ragu bagaimana nasib dan kepemimpinan sanggar ini ke depan. Lah Puar Jelupung Tumbuh 2026 secara lugas menjawab segala keraguan tersebut. Roda organisasi dan semangat pengabdian seni Sekintang Dayo tetap berdenyut kencang.

Kerja keras di balik keberhasilan helatan tahunan sama sekali tidak sederhana. Merancang sebuah festival menuntut keahlian merumuskan tema yang bernas, membangun relasi dengan sponsor, hingga menjalin komunikasi dengan pemerintah daerah. Urusan pendanaan dan ketersediaan hadiah lomba kerap menjadi beban berat yang sangat merepotkan bagi sanggar dengan sumber daya terbatas. Pengorbanan dan daya tahan di tengah keterbatasan itulah yang membuat Lah Puar Jelupung Tumbuh memiliki nilai yang sangat mahal bagi keberlanjutan ekosistem tari di Jambi.

Penyelenggaraan festival independen secara berulang tentu berhadapan dengan tantangan regenerasi organisasi. Perubahan kondisi penggerak utama menuntut adanya mekanisme pewarisan pengetahuan, pengalaman kuratoral, dan kepemimpinan secara cermat. Riuk perayaan panggung tidak secara otomatis menjamin keberlanjutan jika penopang di belakang layar tidak disiapkan secara terencana.

Merawat kehidupan tari tak cukup dengan memastikan sanggar terus menjaga dapur karyanya sendiri. Sebab, ukuran tertinggi dari keberhasilan sebuah sanggar ialah seberapa besar manfaat kehadirannya dapat dirasakan oleh ekosistem di sekitarnya. Lewat konsistensi Lah Puar Jelupung Tumbuh, Sekintang Dayo telah membuktikan bahwa tarian tidak dirawat oleh kemegahan satu nama, tetapi oleh panggung-panggung yang terus dibuka untuk merayakan karya bersama.

Penulis: Oky Akbar (Dosen FKIP UNJA, Sekretaris Yayasan Teater AiR Jambi, Ketua HISKI Jambi)

Gemini_Generated_Image_bdex3lbdex3lbdex (1)

Oktober 14 2026

DARI PENULIS KE PEMBACA: TELAAH KETERHUBUNGAN EKOSISTEM LITERASI DI JAMBI

icopake Budaya 0

Bayangkan literasi sebagai sebuah anak panah yang diarahkan menuju sasaran. Pemerintah menjadi pelatuk yang menyediakan daya dorong, penulis menjadi dudukan yang menopang proses penciptaan, sedangkan penerbit dan komunitas berada di sekitar batang panah, membantu karya bergerak menuju pembaca. Pembaca menjadi sasaran akhir perjalanan anak panah. Di Jambi hari ini, anak panah itu sesungguhnya telah meluncur, tetapi daya lemparnya belum mendarat dengan tepat pada sasaran. Penulis terus bermunculan dengan ragam karya, penerbit lokal terus menerima pesanan cetak, dan komunitas baca aktif menghidupkan ruang-ruang publik. Persoalannya bukan lagi pada ketidakhadiran para pelaku, melainkan pada kerapuhan jalinan di antaranya.

Ilustrasi Keterhubungan Ekosistem Literasi

Di Jambi, aktivitas literasi tumbuh melalui beragam jalur. Penulis menghasilkan karya sastra, buku pengetahuan hingga tulisan yang merekam sejarah dan kebudayaan daerah. Penerbit lokal membantu mewujudkan naskah menjadi buku, sedangkan komunitas membangun ruang pertemuan bagi penikmat baca-tulis. Sekolah, perguruan tinggi, dan perpustakaan turut menyediakan akses bacaan. Pemerintah memiliki kapasitas intervensi melalui kebijakan dan anggaran. Banyaknya pintu masuk ini membuktikan bahwa minat dan daya cipta di Jambi tidak pernah surut. Namun, pintu-pintu tersebut sering kali berdiri sendiri-sendiri tanpa lorong yang menghubungkan satu sama lain.

Penulis menempati posisi sentral karena melalui jemari, ide-ide ditransformasikan menjadi pengetahuan publik. Dalam praktiknya, genre sastra dan dokumentasi budaya mendominasi karya-karya yang dihasilkan. Akan tetapi, produktivitas tersebut sering kali terhenti setelah proses cetak. Tanpa ekosistem yang mengulas dan membicarakannya kembali, karya-karya berisiko meredup lebih cepat menjadi koleksi pribadi, cenderamata atau mengendap dalam lingkaran kerabat yang terbatas.

Persoalan penerbitan di Jambi pun bertumpu pada keberlanjutan dan saluran pamer karya. Walau penerbit lokal aktif bergerak dan memanfaatkan media sosial serta ruang pamer fisik mandiri, kita masih menghadapi muara distribusi yang timpang. Belum tersedia toko buku fisik atau ruang pamer khusus yang secara konsisten menampung, memajang, dan memasarkan buku-buku karya penulis Jambi. Akibatnya, keterhubungan antara penerbit dan pembaca terputus di tengah jalan. Buku lokal sulit ditemui di ruang-ruang publik utama. Penjualannya sangat bergantung pada inisiatif pribadi penulis atau momen kegiatan tertentu.

Dari sisi pembaca, geliat literasi sebenarnya menunjukkan tanda-tanda yang menggembirakan. Kebutuhan akan bacaan yang dekat dengan realitas makin dirasakan, terutama untuk mengenalkan akar budaya kepada generasi muda. Namun, kehadiran buku lokal di tengah masyarakat belum didukung oleh keterjangkauan yang merata. Buku-buku tentang sejarah, bahasa, dan sastra Jambi seharusnya hadir di tempat-tempat yang mudah diakses dan diperkenalkan lewat cara yang memikat agar kegiatan membaca tidak dipersepsikan sebagai beban akademis semata, melainkan sebagai kebutuhan mengenali jati diri.

Komunitas literasi di Jambi berkontribusi besar sebagai penyambung lidah antara karya dan pembaca. Tumbuhnya tradisi membaca dan berdiskusi di taman-taman kota, kafe, hingga kantong-kantong komunitas di daerah menjadi sinyal positif bahwa literasi bisa hadir secara karib dan inklusif. Kendati demikian, tantangan komunitas di Jambi ialah menjaga keberlanjutan serta memperluas jangkauan. Diskusi yang ramai di pusat kota perlu terus ditautkan dengan gerakan akar rumput di berbagai wilayah. Harapannya, kegiatan membaca menjadi gaya hidup di lingkungan yang lebih luas.

Di tengah dinamisnya gerakan komunitas dan penulis, sektor akademisi dan kritikus di Jambi justru belum mengambil peran secara optimal. Perguruan tinggi, khususnya program studi sastra dan bahasa, memiliki otoritas intelektual untuk menjadikan karya-karya lokal sebagai objek penelitian, kajian kritis, dan bahan pengajaran. Sayangnya, iklim akademis kerap kali masih terkungkung pada nama-nama besar berskala nasional alih-alih ikut membesarkan nama-nama dan karya dari daerahnya sendiri. Ketika akademisi dan kritikus absen dalam ruang pembicaraan publik, karya penulis Jambi kehilangan resonansi kritisnya. Padahal, ulasan, resensi, dan penelitian akademis adalah jembatan vital yang memberi bobot dan memperluas daya jangkau sebuah buku di tengah masyarakat.

Pemerintah daerah memegang posisi strategis untuk menghadirkan daya dorong yang berkesinambungan. Dukungan pemerintah tidak boleh berhenti pada penyelenggaraan acara seremonial atau pembagian buku secara instan. Pemerintah Provinsi maupun Kabupaten/Kota di Jambi perlu hadir melalui program-program yang betul-betul menjawab kebutuhan dasar ekosistem, mulai dari fasilitasi biaya penulisan, bantuan penerbitan/pencetakan buku-buku bermutu lokal, penyediaan ruang diskusi yang layak, hingga pengadaan buku lokal untuk perpustakaan sekolah dan daerah yang berbasis pemetaan kebutuhan riil.

Ekosistem literasi di Jambi membutuhkan fondasi kebijakan yang kokoh. Keberadaan Peraturan Daerah (Perda) atau Peraturan Gubernur (Pergub) tentang Literasi menjadi krusial sebagai “rumah” dan payung hukum. Regulasi ini akan memberikan kepastian arah, tata kelola, serta jaminan alokasi anggaran bagi pengembangan literasi daerah. Dengan adanya payung hukum yang jelas, kerja sama lintas sektor dapat dilembagakan. Pemerintah memfasilitasi dan menjamin regulasi, penerbit dan toko buku menyediakan akses karya, komunitas menghidupkan ruang baca, akademisi memberi bobot kajian, dan sekolah menjadi muara penyemaian pembaca baru.

Tolok ukur keberhasilan literasi di Jambi perlu digeser. Keberhasilan tidak lagi cukup dinilai dari berapa banyak judul buku yang berhasil dicetak, berapa kali festival diselenggarakan, atau berapa jumlah perpustakaan yang dibangun. Kita perlu melihat sejauh mana karya lokal beredar di tengah warga, sejauh mana kampus meneliti naskah-naskah daerahnya, dan seberapa kuat jalinan antar-pelaku bertahan setelah sebuah program berakhir. Pemetaan yang jujur terhadap celah-celah ini hanya dapat dilakukan dengan melibatkan para pelaku lapangan yang memahami hambatan nyata di darat.

Perjalanan dari penulis ke pembaca adalah sebuah ikhtiar bersama. Anak panah literasi Jambi tidak akan mendarat dengan presisi jika masing-masing bagian bergerak tanpa koordinasi. Penulis, penerbit, komunitas, akademisi, dan pemerintah harus bekerja dalam satu sistem yang saling menguatkan. Melalui kehadiran regulasi daerah yang tegas, ketersediaan ruang pamer dan distribusi, serta dorongan kritis dari dunia akademis, karya-karya lokal Jambi tidak sekadar berhenti di meja cetak, tetapi benar-benar meluncur jauh, menemukan pembacanya, dan memberi warna pada kehidupan masyarakat.

Penulis : Oky Akbar (Ketua Himpunan Sarjana Kesusastraan Indonesia Komisariat Jambi)

Editor : Ridho Amanta Rajak

Gemini_Generated_Image_jvwmnjvwmnjvwmnj (1)

Oktober 12 2026

JAMBI YANG MEMBACA, JAMBI YANG MENULIS

icopake Budaya, Pendidikan 0

Kita tiba pada masa ketika semua orang gemar merayakan literasi. Ada festival buku, lomba menulis, pelatihan, kampanye membaca, dan berbagai kegiatan yang menggambarkan keterkaitan manusia dengan bacaannya. Fenomena itu tentu menggembirakan. Namun, ada pertanyaan yang perlu segera diajukan. Setelah perayaan itu selesai, apakah yang benar-benar tumbuh? Berapa banyak peserta kegiatan yang terus menulis? Berapa banyak naskah yang selesai, diterbitkan, dan menemukan pembacanya? Berapa banyak komunitas yang tetap hidup setelah perayaan-perayaan literasi itu berakhir?

Pertanyaan tersebut bukan untuk mengecilkan arti kegiatan literasi. Persoalannya adalah kecenderungan yang menganggap terlaksananya berbagai kegiatan tersebut sebagai penanda bahwa tujuan dari literasi telah tercapai. Padahal, keramaian sebuah acara tidak otomatis menghasilkan kebiasaan, kemampuan, atau perubahan yang bertahan lama.

Jambi yang membaca belum tentu Jambi yang menulis. Pernyataan ini bukan upaya mempertentangkan membaca dan menulis. Membaca memperluas pengetahuan seseorang. Sedangkan menulis menguji kemampuan seseorang dalam mengolah pengetahuan yang diakuisisinya dari berbagai sumber termasuk dari sumber bacaan menjadi pemikirannya sendiri, lalu pemikiran tersebut ia produksi menjadi tulisan. Persoalannya muncul ketika masyarakat terus didorong menjadi pembaca, tetapi belum memperoleh cukup ruang untuk tumbuh sebagai pencipta gagasan.

Sumber foto: jambi.bps.go.id. Laman Badan Pusat Statistik Provinsi Jambi.

Data Badan Pusat Statistik (BPS) Provinsi Jambi mencatat Indeks Pembangunan Literasi Masyarakat Provinsi Jambi sebesar 65,43 pada 2024. BPS juga menyediakan data dari seluruh kabupaten/kota, termasuk indikator pemerataan layanan, kecukupan koleksi, tenaga perpustakaan, dan keterlibatan masyarakat. Data tersebut penting untuk membaca perkembangan layanan perpustakaan dan upaya pembangunan literasi di daerah.

Namun, angka itu tidak dengan sendirinya menjawab pertanyaan tentang seberapa banyak warga Jambi menghasilkan tulisan, menerbitkan buku, mendokumentasikan pengetahuan lokal, atau memiliki akses terhadap pendampingan kepenulisan. Hal-hal tersebut membutuhkan indikator dan data tersendiri. Sampai hari ini, belum ada data terkait dengan menulis.

Di sinilah evaluasi program literasi perlu diperluas. Jumlah buku, perpustakaan, pengunjung, dan peserta kegiatan tetap penting, tetapi tidak cukup menjadi satu-satunya ukuran keberhasilan. Kita juga perlu mengetahui apa yang terjadi setelah seseorang membaca buku atau mengikuti pelatihan. Apakah ia terdorong menulis? Apakah tulisannya memperoleh tanggapan? Apakah ia memiliki kesempatan untuk memperbaikinya dan mempertemukannya dengan pembaca? Tanpa pertanyaan lanjutan semacam itu, kita berisiko mengetahui seberapa sibuk program literasi berlangsung, tetapi tidak cukup memahami perubahan yang dihasilkannya.

Membicarakan literasi pada tingkat Provinsi Jambi berarti mengakui bahwa kesempatan masyarakat tidak selalu sama di setiap kabupaten dan kota. Kondisi Kota Jambi tidak bisa begitu saja dianggap mewakili Kabupaten Kerinci, Merangin, Tebo, Bungo, Sarolangun, atau daerah lainnya. Jarak, ketersediaan fasilitas, akses internet, tenaga pendamping, dan kesempatan publikasi perlu diperiksa berdasarkan kondisi masing-masing daerah.

Karena itu, membangun ekosistem literasi provinsi bukan sekadar memperbanyak kegiatan yang sama di semua tempat. Pemerintah daerah bersama seluruh elemen terkait perlu mengidentifikasi kebutuhan setempat, lalu merancang program dukungan yang sesuai. Satu daerah mungkin membutuhkan penguatan perpustakaan dan koleksi bacaan. Daerah lain mungkin membutuhkan kelompok menulis, pendamping penyuntingan, atau akses penerbitan. Di tempat yang kaya tradisi lisan, kegiatan literasi dapat dimulai dengan mendokumentasikan cerita rakyat, sejarah kampung, bahasa daerah, dan ingatan para tetua. Semua itu dapat diolah menjadi cerita anak, esai, komik, naskah pertunjukan, maupun media digital.

Kekayaan budaya Jambi tidak akan otomatis menjadi kekayaan literasi hanya karena diwariskan dari generasi ke generasi. Ia memerlukan orang yang bersedia mendengar, mencatat, menafsirkan, dan menuliskannya kembali. Generasi muda juga perlu diberi kesempatan untuk mengajukan pertanyaan baru terhadap warisan tersebut, bukan hanya menyalinnya sebagai peninggalan masa lalu.

Ekosistem literasi tidak tumbuh melalui lembaga yang bekerja sendiri-sendiri. Pelatihan menulis seharusnya dapat berlanjut menjadi kelompok belajar. Kelompok belajar perlu memiliki akses kepada mentor dan penyunting. Karya yang dihasilkan membutuhkan ruang publikasi, sedangkan publikasi memerlukan pembaca yang bersedia berdiskusi dan memberikan tanggapan. Sekolah dapat menyediakan ruang bagi karya murid. Perpustakaan dapat menjadi tempat pertemuan pembaca dan penulis. Komunitas dapat menjaga proses kreatif tetap berlangsung setelah kegiatan berakhir. Media lokal dapat memperluas jangkauan tulisan, sementara pemerintah dapat memperkuat jejaring, pendanaan, dan pemerataan kesempatan. Kolaborasi tidak cukup dinyatakan dalam sambutan atau dituangkan dalam dokumen kerja sama. Ia perlu terlihat dalam hubungan kerja yang nyata: siapa mendampingi penulis pemula, di mana karya dipublikasikan, bagaimana kelompok menulis dipertahankan, dan bagaimana masyarakat di luar pusat-pusat kegiatan memperoleh kesempatan yang sama.

Keberhasilan pun perlu ditinjau secara berkala. Selain menghitung peserta dan pengunjung, penyelenggara dapat mendokumentasikan keberlanjutan komunitas, jumlah karya yang selesai dan dipublikasikan, perkembangan peserta, serta jangkauan program ke berbagai kelompok masyarakat. Pengukuran semacam ini memang lebih rumit daripada menghitung jumlah acara. Namun, kesulitan mengukur perubahan bukan alasan untuk mengabaikannya.

Jambi memiliki sumber pengetahuan yang luas. Jambi memiliki sungai terpanjang, hutan yang luas, kampung-kampung tua, tradisi lisan, bahasa, pengalaman masyarakat, dan perubahan kehidupan dari satu generasi ke generasi berikutnya. Semua itu bukan sekadar objek kebudayaan, melainkan bahan untuk memahami persoalan hari ini dan membayangkan masa depan. Kita perlu membangun literasi yang tidak hanya mengajak masyarakat mengakses pengetahuan, tetapi juga memberi mereka kesempatan untuk menghasilkan dan menyebarkannya. Menulis tidak harus selalu berujung pada buku yang diterbitkan secara komersial. Catatan tentang perubahan lingkungan, cerita keluarga, ulasan bacaan, esai, dan dokumentasi tradisi dapat menjadi bagian dari produksi pengetahuan masyarakat.

Pada akhirnya, kita perlu berhenti terlalu cepat merayakan permulaan. Kegiatan membaca, festival, lomba, dan pelatihan tetap diperlukan, tetapi semuanya harus menjadi bagian dari proses yang lebih panjang. Tujuannya bukan sekadar menghadirkan masyarakat dalam sebuah acara, melainkan membangun kemampuan dan kesempatan agar mereka terus membaca, berpikir, menulis, dan berbagi.

Provinsi yang membaca akan memberikan kesempatan dan kemudahan untuk warganya mengakses sumber-sumber pengetahuan. Provinsi yang menulis memberikan kesempatan dan kemudahan untuk warganya memproduksi pengetahuan. Jambi tidak cukup hanya menjadi tempat buku dibaca. Jambi harus menjadi ruang tumbuh berbagai gagasan. Dimana gagasan itu dituliskan, diperdebatkan, dan diwariskan.

Salam Literasi.

Penulis : Titas Suwanda (Ketua Teater AiR Jambi)
Editor : Ridho Amanta Rajak

September 25 2026

Jembatan Beatrix Brug Sarolangun: Saksi Bisu Kolonialisme Belanda dan Tragedi Kapal Ophelia

icopake Budaya 0

Di jantung Kota Sarolangun, berdiri sebuah bangunan bersejarah yang hingga kini masih menjadi ikon daerah, yakni Jembatan Beatrix Brug. Bagi sebagian masyarakat, jembatan ini hanyalah penghubung antara Pasar Sarolangun dan Desa Sri Pelayang. Namun, di balik lengkungan beton tuanya, tersimpan kisah kelam yang berkaitan erat dengan penjajahan Belanda, tragedi tenggelamnya Kapal Ophelia, hingga perubahan besar sistem transportasi di Kabupaten Sarolangun.

Sebelum Jembatan Beatrix Brug dibangun, masyarakat Sarolangun menyeberangi Sungai Batang Tembesi menggunakan ponton yang ditarik dengan kabel baja (sling).

Foto oleh Muhammad Izzul Fiqih, CC BY-SA 4.0, melalui Wikimedia Commons.

Pada masa itu, sungai merupakan jalur transportasi utama. Kapal-kapal Belanda rutin melintasi Batang Tembesi untuk mengangkut hasil bumi, menarik pajak, serta membawa pejabat kolonial menuju pedalaman Jambi.

Musibah besar terjadi pada 24 November 1931, ketika Kapal Hekwieler Ophelia, sebuah kapal roda lambung yang dirancang untuk perairan dangkal, melintasi Sungai Batang Tembesi. Kapal tersebut membawa rombongan pejabat kolonial Belanda dan anggota KNIL. Saat melintas, kapal tersangkut kabel ponton penyeberangan sehingga kehilangan keseimbangan, berputar melintang, lalu tenggelam. Peristiwa tragis ini menewaskan puluhan penumpang dan menjadi salah satu kecelakaan sungai terbesar pada masa kolonial di Jambi.

Banyak masyarakat keliru mengenal tragedi tenggelamnya Kapal Ophelia sebagai tenggelamnya Kapal Wilhelmina. Padahal berdasarkan arsip sejarah, nama kapal yang sebenarnya adalah Hekwieler Ophelia. Nama Wilhelmina kerap disebut karena tragedi terjadi pada masa pemerintahan Ratu Wilhelmina. Kekeliruan lisan ini terus diwariskan secara turun-temurun hingga sekarang.

Sebagai bentuk penghormatan terhadap para korban, pemerintah kolonial membangun Monumen Kapal Ophelia pada tahun 1932. Monumen tersebut masih berdiri hingga kini dan menjadi salah satu bukti sejarah penting di Sarolangun.

Tragedi Ophelia menjadi titik balik pembangunan infrastruktur di Sarolangun. Pemerintah kolonial menyadari bahwa sistem ponton dengan kabel sling sangat membahayakan lalu lintas kapal. Oleh karena itu, pada 1937 dimulailah pembangunan sebuah jembatan permanen yang membentang di atas Sungai Batang Tembesi. Proyek ini dikerjakan oleh kontraktor N.V. Nedam dari Batavia melalui proses tender Departemen Pekerjaan Umum Belanda dengan biaya sekitar 146.800 gulden. Biaya pembangunan bersumber dari pajak masyarakat dan hasil ekspor karet. Proses pembangunannya juga melibatkan banyak pekerja dari Pulau Jawa yang bekerja dalam kondisi berat, sebagian di antaranya melalui sistem kerja paksa (rodi).

Pada tahun 1938, pemerintah kolonial menamai jembatan tersebut “Beatrix Brug” sebagai penghormatan atas kelahiran Putri Beatrix Wilhelmina Armgard, cucu Ratu Wilhelmina. Nama tersebut kemudian diabadikan pada sebuah prasasti batu granit bertuliskan “BEATRIX BRUG” yang hingga kini masih dapat ditemukan di salah satu sisi jembatan. Setahun kemudian, tepatnya pada 1939, jembatan resmi dibuka untuk umum.

Secara fisik, Jembatan Beatrix memiliki panjang sekitar 197 meter, lebar 4 meter, serta 4 lengkungan beton khas arsitektur kolonial Belanda. Pada masanya, jembatan ini merupakan jalur strategis yang menghubungkan wilayah Jambi menuju Sumatera Barat di bagian utara dan Sumatera Selatan (melalui Lubuklinggau) di bagian selatan. Kehadirannya mempercepat arus perdagangan dan menjadi salah satu infrastruktur terpenting di wilayah pedalaman Jambi.

Pada tahun 1973, struktur Jembatan Beatrix mengalami kerusakan sehingga tidak lagi digunakan sebagai jalur utama kendaraan. Pemerintah Indonesia kemudian membangun jembatan baru di sampingnya. Meski demikian, Jembatan tersebut tetap dipertahankan karena nilai sejarahnya yang tinggi. Setelah dipugar pada awal tahun 2000-an, jembatan dialihfungsikan sebagai destinasi wisata sejarah ikonik di Kabupaten Sarolangun.

Lebih dari delapan dekari berdiri, Jembatan Beatrix bukan sekadar bangunan tua peninggalan kolonial. Jembatan ini adalah saksi bisu perjalanan Sarolangun, mulai dari masa penjajahan Belanda, tragedi tenggelamnya Kapal Ophelia, pembangunan infrastruktur modern, hingga perkembangan daerah menjadi kabupaten yang terus tumbuh. Setiap lengkung beton dan batu prasastinya menyimpan cerita bernilai tinggi yang patut dikenang dan diwariskan kepada generasi mendatang agar sejarah Sarolangun tidak hilang ditelan zaman.

Sumber tulisan: Postingan Reedho Khamizuka II (Facebook)

Penulis: Reedho Khamizuka
Editor: Ridho Amanta Rajak

Dokumentasi Penulis (Rumah Rantau Panjang)

September 22 2026

Asal-Usul Penduduk Batin V

admin Budaya 0

Pada awalnya, penduduk Batin V berasal dari 60 tumbi (keluarga) yang hidup rukun, aman dan tenteram di dusun Koto Rayo yang dipimpin oleh Poyang Depati. Merasa tidak aman lagi tinggal di Koto Rayo karena sering mendapat wabah penyakit dan serangan dari wilayah ilir Batanghari, mereka bersepakat untuk pindah mencari pemukiman baru. Untuk, menghilangkan jejak, dusun Koto Rayo dihilangkan secara gaib sehingga tidak bisa dikenali lagi lokasinya.

Untuk mencari pemukiman baru, ke 60 keluarga tersebut menelusuri sungai Tabir hingga ke ujung Tanjung Muaro Semayo. Agar keberadaan mereka tidak mudah ditelusuri, mereka menyebar ke lima lokasi untuk sebagai perkampungan baru.

Sampai di ujung Muaro Semayo, dicarilah lokasi yang cocok untuk dijadikan perkampungan. Setelah ditentukan lokasi yang akan dijadikan perkampungan, dibangunlah perkampungan baru yang diberi nama Tanjung Muaro Semayo, dihuni oleh 19 keluarga. Setelanya, 49 keluarga lainnya terus menelusuri sungai hingga ke hulu Sungai Tabir. Sebanyak 14 keluarga mendirikan dusun Seling, 9 keluarga mendirikan Dusun Kapuk, 13 keluarga mendirikan Dusun Pulau Aro, dan 5 keluarga mendirikan dusun Muaro Jernih.

Masing-masing nama dusun tersebut memiliki arti sesuai dengan keberadaannya. Masing-masing dusun dipimpin oleh seorang Rio Depati.

1. Tanjung Muaro Semayo berasal dari kata semayo yang berarti perjanjian. Di sinilah pertama kalinya ke 60 keluarga tersebut membuat perjanjian setelah meninggalkan Koto Rayo. Kini, Tanjung Muaro Semayo berubah menjadi Rantau Panjang.

2. Dusun Seling, dusun ini diberi nama Seling karena berada diantara Tanjung Muaro Semayo dengan dusun Kapuk. Seling disini sama dengan kata selang.

3. Dusun Kapuk, adalah dusun yang terletak di tengah-tengah dari ke lima perkampungan baru tersebut. Karena posisinya berada di tengah, dusun Kapuk dijadikan sebagai tempat pertemuan atau musyawarah oleh para Rio dalam menetapkan keputusan. Dusun ini dinamai Dusun Kapuk karena banyak ditemukan pohon kapuk di lokasi perkampungan.

4. Dusun Pulau Aro, dusun ini dinamai Pulau Aro karena pada saat mau dijadikan lokasi perkampungan alamnya banyak ditumbuhi batang aro.

5. Dusun Muaro Jernih, terletak didekat Sungai Jernih yang menurut penduduk setempat airnya sangat jernih. Oleh sebab itu, dusun tersebut diberi nama dusun Muaro Jernih.

Dalam perkembangannya kemudian, keturunan ke 60 tumbi dari Koto Rayo tersebut mendiami dusun Rantau Panjang, Rantau Ngarau, Muara Jernih, Pulau Aro, Dusun Kapuk, Kampung Baru, Buluran Panjang, Tanjung Ilir, Rantau Limau Manis, dan Sungai Limau.

Salah satu wujud fisik produk budaya yang dapat ditemukan dari Batin V adalah bangunan tua yang ada di Dusun Lamo. Bangunan tersebut masih terpelihara dan telah ditetapkan sebagai salah satu situs cagar budaya oleh pemerintah.

Sumber: catatan hasil wawancara A. Bakar Manan (almarhum), 1981.
Sumber tulisan: https://www.facebook.com/share/p/1KDyPfaWUN/

Penulis: Jafar Rasuh
Editor: Oky Akbar

September 21 2026

Dari Bedah Naskah Menuju Eksekusi Panggung FTR 2026

admin Budaya 0

Setelah semua naskah pilihan FTR 2026 keluar dari ruang bedah, bagian ini memang hendak menjadi ruang untuk membaca sisi kelemahan pada masing-masing naskah pilihan FTR 2026. Kelemahan yang dimaksudkan, bukan sekadar menunjukkan sesuatu yang “masih bisa dikembangkan”, tetapi menunjukkan di mana dramaturginya tersendat dan apa akibatnya terhadap pertunjukan.

Naskah yang memiliki kelemahan bukan berarti tidak layak dipentaskan. Hal terpenting adalah kelemahan itu bisa dibaca dan diolah oleh sutradara. Setelah pembaca mengetahui kelemahan seluruh naskah, barulah sutradara masuk ke pilihan naskah mana yang memberikan ruang paling luas untuk mengatasi kelemahan itu melalui bahasa panggung. Berikut rumusan ringkas sisi lemah untuk seluruh naskah.

GGRRRHH…AAUUUMM……GGRRRHH karya Asro Al Murthawi

Pembangunan suasana dan misteri cukup panjang, tetapi penyelesaian konflik terasa lebih cepat daripada akumulasi ketegangan sebelumnya. Risiko lain: harimau dimainkan secara literal sehingga kekuatan simbolik dan teatrikalnya justru menyempit.

BUKIT PERAK karya Resti Anggratiani

Perubahan nada dari komedi Bono–Noglog menuju sakit, gangguan gaib, hingga kematian cukup tajam. Konflik juga cenderung bergerak sebagai rangkaian kejadian, belum sepenuhnya menjadi perjalanan perubahan karakter.

CELEBAU karya Oky Akbar

Gagasan lingkungan cukup jelas, tetapi konflik Yanto masih terlalu linear. Yanto terdesak ekonomi, menerima eksploitasi, muncul ritual minta hujan, hujan jadi bencana. Perubahan batin Yanto belum sedalam konsekuensi ekologis yang terjadi.

CENENGGO karya Suwandi

Konflik sebenarnya sangat kuat, tetapi beberapa bagian terlalu bergantung pada penjelasan verbal, terutama ketika persoalan kesehatan mulai diterangkan oleh tokoh tertentu. Jika informasi tersebut dikurangi, jarak fisik antartokoh bisa menjadi bahasa panggung yang jauh lebih kuat.

HANTU AEK karya Gesang Tri Wahyudi

Potensi misterinya cukup besar, tetapi akhirnya terlalu cepat membongkar bahwa persoalan tersebut merupakan tipu daya. Unsur ritual dan kepercayaan akhirnya lebih berfungsi sebagai bahan komedi daripada menjadi persoalan yang sungguh-sungguh mengganggu tokoh.

KAMPUNG YANG HILANG karya Titas Suwanda

Gagasan sosialnya kuat, tetapi jika seluruh konflik dimainkan melalui percakapan, pertunjukan dapat menjadi sangat verbal. Konflik Imam–Datuk Rio perlu diterjemahkan menjadi tindakan, ruang, dan situasi, bukan hanya adu argumentasi.

HATI PUSAKO karya Agung Syahputra

Konflik generasi tua–muda cukup konvensional. Beberapa persoalan adat dijelaskan terlalu langsung. Jika trance atau ritual menjadi penyelesaian konflik, ada risiko solusi terasa terlalu mudah karena persoalan sosial sebelumnya tidak benar-benar diselesaikan oleh tokoh.

KEPALA BATU karya Ahmad Faathir

Persoalan tradisi versus gim/teknologi cukup dekat dengan remaja, tetapi masih berisiko jatuh pada pola “anak muda harus kembali mencintai budaya”. Konfliknya perlu dibuat lebih personal dan tidak berhenti pada debat nilai.

KERIS TUBANSO karya Asro Al Murthawi

Kekuatan sejarah dan legendanya dapat berubah menjadi drama sejarah yang penuh informasi. Jika tokoh hanya menjelaskan latar sejarah, panggung kehilangan ketegangan. Keris perlu menjadi kekuatan dramatik, bukan sekadar benda pusaka.

KERUH DI MUARO, TENGOK KE HULU karya Yuyun DNS

Terlalu banyak isu potensial: Orang Rimba, Besale, media sosial, YouTuber, viralitas, HAM, kompetisi, dan sebagainya. Akibatnya, pusat konflik mudah pecah. Naskah membutuhkan satu pertanyaan utama agar semua unsur tersebut mengarah ke satu konflik.

KURSI KOSONG karya Hendry Nursal

Banyak tokoh dan subplot membuat fokus dramatik mudah berpindah. Padahal kursi sebagai objek memiliki potensi simbolik yang sangat kuat. Jika kursi hanya menjadi bagian dari cerita misteri, potensi teatrikalnya tidak maksimal.

MENUAK karya Megawaty S.

Konflik antara praktik tradisional dan pengobatan modern berisiko terlalu hitam-putih. Jika praktik tradisional hanya ditampilkan sebagai penyebab masalah sementara medis modern menjadi penyelamat, persoalannya menjadi terlalu sederhana.

NUR karya Gavin Chandraprawira

Nur berada di pusat persoalan, tetapi kehendaknya sendiri belum selalu menjadi penggerak konflik. Banyak keputusan dibuat atau dibicarakan oleh orang lain mengenai dirinya. Akibatnya, tokoh utama berisiko menjadi objek cerita, bukan subjek.

PATOK karya Alief Hasbunallah

Konflik kepemilikan tanah mudah melebar ke banyak arah. Jika tidak dipadatkan, struktur menjadi episodik. Padahal patok sebagai benda sebenarnya sudah menyediakan pusat konflik yang sangat jelas.

PENURUN HUJAN karya Ayu Diah Lestary

Perdebatan tentang ilmu pengetahuan, mistik, dan agama berpotensi membuat adegan statis. Hujan kemudian turun sebagai penyelesaian dari luar diri tokoh. Akibatnya, konflik manusia belum tentu menghasilkan perubahan manusia.

SECANTING BERAS karya Hendry Nursal

Komedi yang bersumber dari ritual dan kepercayaan memiliki risiko menjadikan tradisi sebagai objek olok-olok. Selain itu, jika humor terlalu bergantung pada dialog, kekuatan permainan tubuh dan ritme komedi justru tidak berkembang.

SUMBUN karya Devi Hanan

Gagasan tentang generasi muda yang meremehkan tradisi cukup jelas, tetapi perubahan sikap tokoh berisiko terasa sebagai akibat dari “terbongkarnya sesuatu”, bukan pengalaman yang benar-benar mengubah cara pandangnya. Twist juga dapat mengurangi kekuatan misteri yang sebelumnya dibangun.

TARI INAI karya Asep Supriyanto

Kekuatan utamanya justru berada pada unsur tari dan ritual, sementara konflik dramatiknya masih cenderung konvensional: kerajaan, perkawinan, dan persoalan politik. Jika dipaksakan menjadi drama dialogis, kekuatan visualnya bisa hilang.

TARIAN MANDI SAFAR karya Citra Nur Aini

Bentuknya cenderung seperti dongeng atau narasi upacara yang diberi kerangka kerajaan. Hubungan antara dunia kerajaan dan tradisi Mandi Safar belum sepenuhnya menghasilkan konflik organik. Naskah lebih potensial jika bahasa tari, musik, dan ritual menjadi pusat.

TEKURUNG TANGAS karya Natasya Salsabilla

Konflik psikologis Sahara lebih sering dibicarakan daripada benar-benar terjadi di atas panggung. Karena itu, pertunjukan berisiko statis. Tokoh membutuhkan tindakan yang membuat konflik batinnya tampak secara fisik.

TEPASUNG karya Medi Saputra

Terlalu banyak beban konflik—keluarga, perpindahan, adat, pasung, dan persoalan sosial—sehingga energi melodramatiknya dapat menumpuk. Pasung juga berisiko menjadi sekadar perangkat untuk menghasilkan penderitaan jika tidak ditempatkan sebagai persoalan manusia yang lebih kompleks.

TIMBANG TEBU karya Hendry Nursal

Pembukaan dan permainan kelompok cukup potensial, tetapi persoalan lokal dan konflik utamanya tidak sedalam energi komedinya. Pencarian pencuri berisiko menjadi rangkaian adegan lucu tanpa peningkatan taruhan yang signifikan.

MALAM TERAKHIR karya Laila Fajrianti

Gagasan metateaternya menarik, tetapi persoalan terbesar justru ada pada banyaknya pembicaraan tentang bagaimana membuat pertunjukan. Jika proses penciptaan hanya didiskusikan, bukan dipertontonkan sebagai peristiwa, panggung akan terasa seperti ruang rapat.

KENDURI SKO karya Fioren Edri

Naskah memiliki bahan lokal yang jelas, tetapi Kenduri Sko lebih banyak berfungsi sebagai latar bagi misteri kehilangan pusaka. Setelah pencuri ditemukan, konflik segera selesai. Pusaka belum sepenuhnya menjadi sumber konflik nilai atau perubahan karakter. Akibatnya, yang paling diingat penonton berpotensi justru “anak-anak memecahkan kasus pencurian”, bukan makna Kenduri Sko.

MENUAK karya Diana Aini

Naskah memberikan informasi tentang tradisi, persiapan, makanan, dukun beranak, dan proses pelaksanaannya, tetapi peristiwa ritual itu sendiri belum menjadi sumber persoalan yang mengubah nasib tokoh. Naskah ini memiliki tradisi yang menarik, tetapi tradisi tersebut belum benar-benar menjadi mesin konflik.

Penulis: Titas Suwanda
Editor: Oky Akbar

September 21 2026

Membaca Naskah-Naskah Pilihan FTR 2026, Peta Awal Sebelum Pilihan Diputuskan (Bagian V)

admin Budaya 0

Memilih Naskah, Menemukan Panggung

Setelah membaca seluruh naskah yang disiapkan untuk Festival Teater Remaja (FTR) 2026, muncul satu pertanyaan praktis yang sangat mungkin diajukan oleh calon peserta: Kalau kami harus memilih, naskah mana yang sebaiknya kami pertimbangkan lebih dahulu?

Pertanyaan tersebut tidak bisa dijawab hanya dengan melihat cerita mana yang paling menarik. Naskah teater harus dilihat bersama kemungkinan pertunjukannya. Untuk itu, pembacaan berikut menggunakan lima hal yang juga menjadi bagian penting dalam penilaian FTR: interpretasi dan penyutradaraan; pemeranan/keaktoran; penghayatan dan komunikasi cerita; tata artistik dan kreativitas visual; serta kekompakan dan keutuhan pertunjukan.

Berdasarkan pembacaan tersebut, terdapat lima naskah yang memiliki keseimbangan peluang yang sangat kuat di antara kelima aspek tersebut.

Ini bukan urutan juara. Kelimanya memiliki karakter yang berbeda. Pilihan akhirnya tetap harus disesuaikan dengan kemampuan aktor, jumlah anggota kelompok, fasilitas, waktu latihan, serta visi artistik masing-masing kelompok.

Berdasarkan pembacaan terhadap seluruh naskah dan dengan menggunakan lima aspek yang menjadi dasar penilaian FTR—interpretasi dan penyutradaraan, pemeranan/keaktoran, penghayatan dan komunikasi cerita, tata artistik dan kreativitas visual, serta kekompakan dan keutuhan pertunjukan—terdapat lima naskah yang memiliki ruang pengembangan panggung yang sangat kuat. Sekali lagi, ini bukan urutan juara. Kelima naskah tersebut justru menarik karena menawarkan jenis tantangan yang berbeda.

1. CENENGGO

Cenenggo menjadi salah satu naskah yang sangat menarik karena memiliki satu gagasan panggung yang dapat dikembangkan secara konsisten: jarak. Jarak antara orang sehat dan orang sakit. Jarak antara ibu dan anak. Jarak antara keinginan untuk mendekat dan keharusan untuk menjauh. Jarak antara kasih sayang dan ketakutan.

Bagi sutradara, satu gagasan sederhana seperti ini sangat berharga karena dapat menjadi dasar untuk membangun hampir seluruh unsur pertunjukan. Panggung dapat dibagi menjadi wilayah-wilayah tertentu. Cahaya dapat menciptakan batas. Blocking dapat menentukan siapa yang boleh mendekat dan siapa yang harus berhenti. Suara dapat datang dari wilayah yang tidak terlihat. Bahkan keheningan dapat menjadi bagian dari konflik.

Mengapa menarik bagi aktor? Cenenggo tidak harus dimainkan dengan dialog yang terus-menerus. Aktor dapat bekerja melalui tatapan, gestur, langkah yang tertahan, tubuh yang ingin maju tetapi dicegah, atau respons terhadap suara dari kejauhan. Dengan demikian, naskah ini memberi kesempatan kepada pemain untuk belajar bahwa akting bukan hanya mengucapkan kalimat dengan ekspresi yang tepat. Kadang-kadang seorang aktor justru sedang memainkan konflik paling kuat ketika ia tidak mengatakan apa-apa.

Tantangan

Justru karena kekuatannya terletak pada ruang dan keheningan, Cenenggo membutuhkan disiplin ensemble yang tinggi. Jika bloking tidak presisi, tempo adegan tidak terjaga, atau suasana terlalu lama tanpa perkembangan, pertunjukan dapat menjadi datar. Kelompok yang memilih Cenenggo harus siap bekerja serius pada blocking, tempo, vokal, keheningan, dan hubungan antartubuh di atas panggung. Cenenggo memiliki peluang yang relatif seimbang pada aspek penyutradaraan, keaktoran, komunikasi, artistik, dan kekompakan. Kata kuncinya: JARAK.

2. GGRRRHH…AAUUUMM……GGRRRHH

Jika Cenenggo bekerja dengan konsep jarak, GGRRRHH…AAUUUMM……GGRRRHH memiliki kemungkinan panggung yang kuat melalui konsep kehadiran. Kekuatan utamanya, kehadiran yang tidak selalu terlihat

Harimau tidak harus selalu diperlihatkan. Hutan tidak harus dibangun secara realistis. Rasa takut tidak harus selalu diteriakkan. Semua itu dapat dibangun melalui suara, cahaya, gerak tubuh, bayangan, ritme, dan respons para aktor. Di sinilah naskah ini memiliki kemungkinan artistik yang sangat luas.

Naskah ini membuka ruang bagi aktor untuk bermain secara fisik. Mendengar. Mengintai. Berlari. Bersembunyi. Membeku. Mencari. Bereaksi. Bahkan ketika harimau tidak hadir secara langsung, aktor harus membuat penonton percaya bahwa sesuatu sedang mengintai. Kerja aktor seperti ini membutuhkan konsentrasi dan kemampuan ensemble yang kuat.

Sutradara dapat memilih apakah harimau akan diwujudkan secara literal, melalui aktor, bayangan, boneka, suara, atau bahkan tidak pernah benar-benar diperlihatkan. Pilihan tersebut kemudian menentukan seluruh bahasa visual pertunjukan. Hutan pun dapat dibangun melalui tubuh para pemain. Dengan pendekatan semacam itu, panggung tidak lagi sekadar menjadi tempat cerita berlangsung. Panggung menjadi hutan itu sendiri.

Tantangan

Naskah ini mempunyai risiko yang berbeda dari Cenenggo. Jika terlalu abstrak, penonton dapat kehilangan pegangan terhadap peristiwa cerita. Karena itu, sutradara perlu menemukan keseimbangan antara misteri dan kejelasan cerita. Penonton boleh bertanya-tanya tentang apa yang mereka lihat, tetapi mereka tetap perlu memahami apa yang sedang dipertaruhkan oleh para tokoh.

Kekuatan terbesar naskah ini berada pada artistik, keaktoran fisik, dan kerja ensemble.

3. CELEBAU

Celebau menawarkan struktur konflik yang sangat mudah dikenali sekaligus memiliki kemungkinan visual yang besar: kemarau, tekanan ekonomi, eksploitasi tanah, ritual, hujan, bencana. Kekuatan utamanya adalah alam sebagai mesin dramatik

Rangkaian tersebut memberi sutradara sebuah alur perubahan suasana yang jelas. Panggung dapat dimulai dari keadaan kering. Tanah retak. Tubuh manusia kelelahan. Suara mesin masuk. Aktivitas semakin keras. Ritual berlangsung. Kemudian hujan datang. Tetapi hujan yang selama ini ditunggu justru membawa akibat lain.

Dengan demikian, alam tidak hanya menjadi latar. Alam menjadi bagian dari dramaturgi. Celebau memiliki hubungan sebab-akibat yang relatif mudah diikuti penonton. Pilihan tokoh memiliki konsekuensi. Konsekuensi tersebut kemudian menghasilkan persoalan baru. Ini memberi keuntungan bagi kelompok pelajar dan remaja yang mungkin belum memiliki pengalaman panjang dalam membangun pertunjukan dengan struktur yang kompleks.

Tantangan

Tokoh Yanto memiliki peluang perkembangan karakter yang kuat. Namun perubahan tersebut sebaiknya tidak dimainkan secara tiba-tiba. Penonton perlu melihat bagaimana kebutuhan ekonomi memengaruhi pilihannya, bagaimana ia mulai membenarkan keputusan tersebut, dan bagaimana ia kemudian berhadapan dengan konsekuensinya. Jika proses itu berhasil, aktor tidak hanya memainkan “orang yang melakukan kesalahan”, tetapi memainkan manusia yang berada dalam situasi sulit dan harus memilih.

Celebau memberi ruang besar untuk eksplorasi bunyi dan visual: bunyi tanah, angin, alat kerja, mesin, ritual, hujan, air, dan suasana setelah bencana. Kelompok tidak harus benar-benar menghadirkannya secara realis. Justru tantangan artistiknya adalah menemukan cara teatrikal untuk membuat penonton merasakan hujan dan bencana tanpa harus menghadirkannya secara harfiah. Celebau sangat potensial bagi kelompok yang ingin menggabungkan cerita sosial, persoalan lingkungan, ritual, dan visual panggung.

4. KAMPUNG YANG HILANG

Kampung yang Hilang memiliki kekuatan pada lapisan gagasannya, ketika yang hilang bukan tempat, melainkan nilai. Kampungnya masih ada, rumahnya masih ada, orang-orangnya masih ada. Tetapi sesuatu yang membuat tempat itu dahulu disebut “kampung” perlahan menghilang. Gotong royong, hubungan antarmanusia, ingatan bersama. Pertanyaan tentang perubahan nilai inilah yang membuat naskah ini menarik bagi pemain remaja.

Naskah ini tidak harus dipentaskan sebagai drama realis dengan orang duduk dan berbicara di ruang tamu. Konsep “kampung yang hilang” dapat diterjemahkan menjadi bahasa visual. Pada awal pertunjukan, misalnya, masyarakat dapat bergerak sebagai satu kelompok. Suara mereka memenuhi ruang. Kemudian secara perlahan kelompok itu terpecah. Ruang yang tadinya penuh menjadi kosong. Benda yang dahulu digunakan bersama menjadi milik pribadi. Suara gotong royong berubah menjadi suara individual. Dengan cara seperti itu, kehilangan tidak perlu dijelaskan. Penonton dapat melihatnya.

Tokoh Imam dan tokoh Datuk Rio menyediakan ruang pertentangan gagasan yang cukup kuat. Namun aktor perlu berhati-hati agar konflik tidak berubah menjadi lomba menyampaikan pendapat. Masing-masing tokoh harus memiliki alasan mengapa ia mempertahankan pandangannya. Dengan demikian, penonton tidak hanya mendengar dua pendapat yang berlawanan, tetapi menyaksikan dua cara memandang kehidupan yang sedang berhadapan.

Tantangan

Kelemahan potensial naskah ini terletak pada kecenderungannya menjadi terlalu verbal. Karena itu, kelompok yang memilihnya harus berani melakukan eksplorasi visual dan ritmis. Mandi Kayik dan unsur tradisi yang hadir dalam cerita juga dapat dikembangkan sebagai peristiwa panggung, bukan sekadar informasi tentang tradisi.

Naskah ini sangat cocok untuk kelompok yang memiliki aktor dengan kemampuan dialog cukup kuat dan sutradara yang ingin mengolah gagasan sosial menjadi bentuk visual.

5. MALAM TERAKHIR

Di antara naskah-naskah yang masuk dalam kumpulan FTR 2026, Malam Terakhir memiliki posisi yang agak berbeda. Naskah ini tidak hanya bercerita tentang sebuah persoalan, tetapi juga berbicara tentang proses menciptakan cerita dan pertunjukan itu sendiri.

Di dalamnya terdapat sekelompok anak muda yang berhadapan dengan proses penciptaan karya, pencarian gagasan, tradisi, dan cerita yang bersumber dari kebudayaan lokal, termasuk Niti Mahligai dan tradisi masyarakat Kerinci. Karena itu, naskah ini menarik dibaca sebagai sebuah kemungkinan teater tentang teater. Ketika proses kreatif menjadi cerita

Biasanya penonton datang ke teater untuk menyaksikan cerita yang sudah selesai. Malam Terakhir menawarkan kemungkinan yang berbeda: penonton dapat diajak melihat bagaimana sebuah cerita sedang dicari, diperdebatkan, dirumuskan, bahkan mungkin dipertanyakan kembali.

Hal tersebut memberi ruang yang besar bagi sutradara. Panggung dapat menjadi ruang latihan. Meja dapat menjadi ruang riset. Laptop dapat menjadi sumber informasi. Video dapat menjadi bahan pencarian. Dokumen, gambar, rekaman, atau jejak digital dapat menjadi bagian dari proses penciptaan.

Dengan demikian, proses mencari cerita bukan lagi sesuatu yang berlangsung di belakang panggung. Proses itu sendiri dapat menjadi pertunjukan. Inilah salah satu hal yang membuat Malam Terakhir menarik untuk kelompok pelajar dan remaja. Generasi muda hari ini tidak hanya belajar dari buku. Mereka mencari informasi melalui mesin pencari, video, media sosial, arsip digital, dan berbagai platform internet. Semua itu dapat masuk ke dalam bahasa pertunjukan.

Namun multimedia tidak perlu dipakai sekadar sebagai layar tambahan. Yang lebih menarik adalah menjadikannya bagian dari dramaturgi. Misalnya, seorang tokoh menemukan sebuah informasi melalui internet, kemudian informasi itu diproyeksikan kepada penonton. Tokoh lain meragukan kebenarannya. Terjadi perdebatan. Kemudian muncul versi lain. Dengan cara seperti itu, layar dan perangkat digital ikut menjadi bagian dari konflik.

Malam Terakhir memberi ruang kepada aktor untuk memainkan karakter yang tidak hanya memiliki persoalan pribadi, tetapi juga memiliki pandangan terhadap proses penciptaan seni. Mereka dapat berbeda pendapat tentang apa yang harus diceritakan. Apa yang boleh diubah? Apa yang harus dipertahankan? Seberapa jauh cerita rakyat boleh diadaptasi? Apakah mengambil cerita tradisi berarti harus mempertahankan bentuk aslinya? Pertanyaan-pertanyaan tersebut dapat menjadi bahan permainan antarpemain.

Dengan demikian, konflik tidak hanya terjadi karena peristiwa eksternal, tetapi juga melalui perbedaan cara memandang seni dan tradisi.

Tantangan

Kekuatan utama naskah ini sekaligus menjadi tantangannya. Jika semua gagasan hanya disampaikan melalui percakapan, pertunjukan dapat terasa seperti sekelompok orang sedang berdiskusi atau rapat. Jangan sampai hal itu terjadi.

Sutradara perlu mengubah diskusi menjadi peristiwa panggung. Ketika seseorang menemukan sesuatu, harus ada perubahan. Ketika sebuah gagasan ditolak, harus ada konsekuensi. Ketika terjadi perdebatan, hubungan antartokoh harus berubah. Ketika mereka menemukan cerita, dunia panggung juga harus ikut berubah. Dengan demikian, penonton tidak hanya mendengar proses berpikir mereka, tetapi menyaksikan proses penciptaan itu terjadi di depan mata.

Malam Terakhir memiliki potensi kuat pada aspek interpretasi dan penyutradaraan, terutama bagi kelompok yang berani mengembangkan bentuk pertunjukan nonkonvensional. Ia juga dapat memberi ruang bagi keaktoran, kerja ensemble, serta kreativitas artistik. Yang paling menarik, naskah ini memungkinkan kelompok pelajar dan remaja bertanya tentang hubungan mereka sendiri dengan tradisi: Bagaimana kita menceritakan kembali cerita lama dengan cara kita hari ini? Pertanyaan tersebut sangat relevan dengan semangat sebuah festival teater remaja.

Mengapa layak diprioritaskan?

Jika dilihat melalui lima indikator FTR, kelima naskah ini sama-sama memberikan ruang yang cukup luas untuk mengembangkan:

Interpretasi dan penyutradaraan. Masing-masing memiliki gagasan utama yang dapat diterjemahkan menjadi konsep pertunjukan.
Pemeranan/keaktoran. Tokoh-tokohnya menyediakan konflik, perubahan, relasi, atau tuntutan fisik yang dapat dieksplorasi aktor.
Penghayatan dan komunikasi cerita. Masing-masing memiliki persoalan yang dapat dikomunikasikan kepada penonton, meskipun dengan cara yang berbeda.
Tata artistik dan kreativitas visual. Kelima naskah tidak mengharuskan kelompok berhenti pada dekorasi realistis. Masing-masing membuka kemungkinan bahasa visual.
Kekompakan dan keutuhan pertunjukan. Kelima naskah dapat menjadi pertunjukan ensemble, meskipun tuntutan kerja kelompoknya berbeda.

Pada akhirnya, naskah hanyalah titik awal. Yang akan dinilai di atas panggung bukan hanya cerita yang tertulis, tetapi bagaimana sebuah kelompok membaca cerita itu, menafsirkannya, menghidupkan tokohnya, membangun dunianya, berkomunikasi dengan penonton, dan menyatukan seluruh unsur pertunjukan menjadi satu pengalaman teater.

Naskah yang sama dapat menghasilkan pertunjukan yang sangat berbeda di tangan kelompok yang berbeda. Dan mungkin, di situlah salah satu hal paling menarik dari Festival Teater Remaja: bukan hanya bagaimana sebuah naskah dimainkan, tetapi bagaimana generasi muda menemukan cara mereka sendiri untuk berbicara melalui teater.

Festival Teater Remaja bukan hanya tempat mempertontonkan hasil latihan. Ia adalah tempat generasi muda belajar membaca kehidupan melalui teater. Ketika lampu panggung akhirnya menyala, yang hadir bukan lagi naskah yang tertulis di atas kertas. Tetapi, yang hadir adalah cara kalian membaca dunia.

Selamat memilih. Selamat berlatih. Selamat menemukan panggung kalian sendiri. Salam.

Penulis: Titas Suwanda
Editor: Oky Akbar

September 21 2026

Membaca Naskah-Naskah Pilihan FTR 2026, Peta Awal Sebelum Pilihan Diputuskan (Bagian IV)

admin Budaya 0

Ritual, Tubuh, dan Ruang Pertunjukan

Sampailah kita pada bagian terakhir dari rangkaian pembacaan naskah FTR 2026. Enam naskah terakhir membawa kita kepada bentuk yang sangat dekat dengan panggung: ritual, tubuh, ruang, keluarga, tradisi, dan proses penciptaan teater.

Ada naskah yang memiliki kemungkinan dikembangkan menjadi teater tari (dance teater). Ada yang membutuhkan aktor dengan kemampuan psikologis kuat. Ada yang membutuhkan ensemble. Ada pula yang justru mengajak pemain mempertanyakan bagaimana sebuah pertunjukan diciptakan. Enam naskah tersebut adalah Tari Inai, Tarian Mandi Safar, Tekurung Tangas, Tepasung, Timbang Tebu, dan Malam Terakhir.

**1. TARI INAI karya Asep Supriyanto**

Tari Inai memiliki kekuatan yang langsung terlihat dari sumber budayanya: ritual dan tari. Naskah ini membawa tradisi Tari Inai ke dalam struktur cerita yang berkaitan dengan kerajaan, perkawinan, dan kehidupan masyarakat. Artinya, naskah ini memiliki peluang untuk mempertemukan teater dan tari.

Jangan menjadikan tari sebagai selingan. Jika tari hanya muncul ketika cerita berhenti, maka tari menjadi dekorasi. Sebaliknya, gerak dapat menjadi bagian dari cerita. Tokoh dapat menyampaikan emosi melalui tubuh. Kelompok dapat menciptakan perubahan suasana melalui formasi. Dengan demikian, tari tidak berada di luar drama. Jika ditangani secara kuat, pertunjukan dapat mendekati bentuk teater tari tanpa kehilangan konflik dramatiknya.

Tantangan

Bahaya utama adalah menjadikan cerita kerajaan terlalu konvensional. Jika semua dimainkan secara realis—raja, putri, istana, konflik kerajaan—pertunjukan dapat terasa seperti dongeng biasa. Kekuatan naskah justru dapat dicari pada ritual Tari Inai sebagai pusat bahasa panggung.

**2. TARIAN MANDI SAFAR karya Citra Nur Aini**

Tarian Mandi Safar juga memiliki kekuatan pada ritual. Naskah menghadirkan tradisi Mandi Safar yang berkembang sebagai upacara masyarakat dan memiliki berbagai pemaknaan terhadap keselamatan, wabah, maupun musibah. Naskah juga menyertakan latar historis mengenai perkembangan tradisi tersebut.

Mandi Safar sebenarnya menyediakan kemungkinan ensemble yang besar. Satu orang melakukan ritual, yang lain mengamati. Kemudian semua ikut bergerak. Ruang berubah, musik berubah, cahaya berubah.

Tantangan

Seperti Tari Inai, persoalan utamanya adalah bagaimana menghindari bentuk “cerita rakyat yang dijelaskan”. Jika tokoh terus-menerus menerangkan sejarah Mandi Safar, pertunjukan dapat menjadi seperti pelajaran kebudayaan. Padahal penonton datang untuk mengalami pertunjukan.

Karena itu, muatan sejarah sebaiknya diubah. Bisa menjadi gambar, bunyi, gerak, tindakan, dan situasi.

Potensi

Naskah ini sangat mungkin dikembangkan ke arah teater tari atau pertunjukan berbasis ritual. Kekuatan utamanya bukan pada dialog panjang, tetapi pada kemungkinan membangun atmosfer kolektif.

**3. TEKURUNG TANGAS karya Natasya Salsabilla**

Tekurung Tangas bergerak ke wilayah yang lebih psikologis. Sahara adalah perempuan yang menghadapi ketakutan terhadap masa depan hubungan dan pernikahan. Darto, anak-anak mereka, serta Wak Leha menjadi bagian dari lingkungan emosional yang mengelilinginya. Naskah sendiri merumuskan persoalan utamanya sebagai ketakutan terhadap sesuatu yang belum terjadi dan pikiran negatif yang kemudian memengaruhi diri.

Konfliknya berada di dalam kepala tokoh. Ini membuat Tekurung Tangas berbeda dari naskah yang konfliknya berasal dari peristiwa eksternal. Musuh utama tokoh bukan seseorang, bukan bencana, bukan hantu. Melainkan pikiran yang terus membangun kemungkinan buruk. Terasa lebih cocok jika naskah ini dijadikan monolog.

Karena itu, pertunjukan dapat menggunakan bahasa visual untuk menghadirkan dunia batin Sahara. Bayangan, suara, pengulangan gerak. Tokoh-tokoh lain yang muncul seperti gema dari pikirannya.

Pemeranan terhadap tokoh Sahara menjadi tantangan keaktoran yang besar. Aktor harus mampu memperlihatkan proses berpikir. Bukan hanya mengatakan “Aku takut.” Penonton perlu melihat ketakutan tersebut bekerja dalam tubuh aktor. Cara duduk berubah, cara memandang berubah, helaan napas berubah, respons berubah. Dengan demikian, keaktoran menjadi pusat pertunjukan.

Tantangan

Naskah dapat menjadi terlalu statis jika seluruh konflik hanya dibicarakan. Sutradara perlu menemukan tindakan konkret yang membuat pikiran Sahara menjadi peristiwa panggung. Jika tidak, pertunjukan dapat terasa seperti sesi percakapan keluarga.

**4. TEPASUNG karya Medi Saputra**

Tepasung merupakan naskah dengan muatan keluarga yang kuat dan sumber lokal yang sangat spesifik. Naskah mengangkat tiga unsur dari Kerinci: Aseik Nyabung, Sijundai, dan pasung. Penulis juga secara eksplisit menjelaskan sumber tersebut sebagai dasar penulisan naskah. Sarah menjadi salah satu pusat cerita, bersama Mak, Bapak, dan tokoh-tokoh lain dalam keluarga.

Seperti Patok dan Kursi Kosong, Tepasung memiliki objek yang dapat menjadi pusat dramaturgi. Pasung tidak hanya benda. Ia dapat menjadi symbol yang merepresentasikan ketakutan, stigma, ketidakberdayaan, cara masyarakat menghadapi sesuatu yang tidak mereka pahami, dan hubungan keluarga.

Jika dipentaskan secara literal, pasung hanya menjadi properti. Tetapi jika diperlakukan sebagai simbol, ia dapat terus hadir bahkan ketika tidak digunakan. Bayangan pasung, bunyi kayu, jejak ruang, gerak tubuh yang terbatas. Semua dapat menjadi bagian dari bahasa pertunjukan.

Tokoh Sarah memiliki ruang yang besar bagi kreativitas keaktoran. Ia digambarkan sebagai perempuan pekerja keras, logis, tegas, penyayang, tetapi juga berada dalam tekanan lingkungan keluarga dan kepercayaan masyarakat. Pertunjukan dapat berpusat pada pengalaman Sarah menghadapi dunia yang berusaha menentukan apa yang terjadi terhadap dirinya.

Tantangan

Naskah memiliki banyak konflik dan unsur dramatik. Karena itu, sutradara perlu berhati-hati agar seluruh persoalan tidak ditumpuk sekaligus. Pilih pusat emosional. Kemudian biarkan persoalan lain mengelilinginya. Jika semuanya ingin dibuat besar, tidak ada yang benar-benar terasa besar.

**5. TIMBANG TEBU karya Hendry Nursal**

Timbang Tebu memiliki energi yang mulanya tampak lebih ringan. Naskah menghadirkan kehidupan masyarakat, tokoh muda, dan sebuah tradisi yang berkaitan dengan anak yang lahir pada bulan Safar.

Tradisi Timbang Tebu dijelaskan melalui penggunaan timbangan: bayi ditempatkan pada satu sisi dan ketan pada sisi lainnya, disertai pembacaan shalawat dan kemudian makan bersama.

Timbangan dapat menjadi pusat visual. Benda itu dapat dimainkan secara nyata. Bisa pula dibuat lebih teatrikal. Yang penting, benda tersebut tidak hanya menjadi properti upacara. Ia menjadi bagian dari konflik dan imajinasi panggung.

Hubungan antara tokoh muda seperti Indra dengan tokoh tua seperti Donteng memberi peluang munculnya komedi sekaligus perdebatan tentang zaman. Ada pembicaraan tentang kemajuan, bahasa asing, kehidupan modern, dan kekayaan yang sebenarnya dimiliki masyarakat. Ini membuka ruang bagi permainan antargenerasi.

Tantangan

Naskah dapat menjadi terlalu mudah jika tokoh tua hanya menjadi “orang yang benar” dan anak muda hanya menjadi “anak yang belum mengerti”. Akan lebih menarik jika kedua pihak memiliki kelemahan dan kelebihannya masing-masing. Generasi tua memiliki pengetahuan. Generasi muda memiliki pertanyaan. Pertemuan keduanya justru dapat menjadi pusat pertunjukan.

**6. MALAM TERAKHIR karya Laila Fajrianti**

Malam Terakhir memiliki bentuk yang berbeda dari sebagian besar naskah lain dalam kumpulan ini. Naskah tidak hanya berbicara tentang sebuah cerita lokal. Ia memperlihatkan orang-orang yang sedang berusaha menciptakan pertunjukan dari cerita dan tradisi. Di dalamnya terdapat proses diskusi, riset, laptop, materi referensi, juknis lomba, dan pencarian bentuk pertunjukan. Bahkan pada bagian akhir, para tokoh menyadari bahwa malam itu merupakan batas terakhir pengumpulan naskah.

Sesungguhnya, teater memang tentang proses penciptaan. Inilah kekuatan utama Malam Terakhir. Biasanya proses mencari cerita terjadi sebelum penonton datang. Dalam Malam Terakhir, proses itu justru dapat menjadi peristiwa panggung yang dipertunjukan.

Para Pemain dapat membuka laptop, mencari informasi, membaca, berdebat, menonton video, mencari referensi, menolak sebuah gagasan, kemudian menemukan gagasan baru. Jika semua itu dimainkan dengan ritme yang tepat, penonton tidak hanya melihat hasil penciptaan. Penonton dapat melihat bagaimana proses penciptaan suatu karya.

Naskah ini sangat dekat dengan cara generasi muda bekerja hari ini. Riset dapat dilakukan melalui internet. Video dapat menjadi referensi. Layar dapat menjadi ruang informasi. Juknis dapat diproyeksikan. Percakapan dapat berlangsung bersamaan dengan pencarian data. Bahkan layar dapat menampilkan apa yang sedang dicari oleh tokoh. Namun multimedia harus memiliki fungsi dramatik. Jika hanya menjadi dekorasi, keunikannya hilang.

Tantangan

Naskah yang berisi proses diskusi sangat mudah berubah menjadi orang duduk dan berbicara. Karena itu, setiap perdebatan harus menghasilkan perubahan. Seseorang menemukan informasi. Orang lain menolaknya. Hubungan mereka berubah. Sebuah gagasan muncul. Gagasan tersebut mengubah bentuk pertunjukan. Dengan demikian, diskusi berubah menjadi tindakan.

Mengapa Malam Terakhir sangat menarik bagi remaja? Karena naskah ini sebenarnya mengajukan pertanyaan yang sangat dekat dengan kehidupan mereka: Bagaimana generasi sekarang menceritakan kembali tradisi lama? Apakah harus sama persis? Apa yang boleh diubah? Apa yang harus dipertahankan? Dan ketika tradis masuk ke panggung hari ini, siapa sebenarnya yang sedang berbicara: masa lalu atau generasi sekarang?

Serangkaian pertanyaan tersebut membuat Malam Terakhir memiliki kemungkinan menjadi pertunjukan yang tidak hanya bercerita tentang tradisi, tetapi juga mempertanyakan cara kita menceritakan tradisi.

Menutup Pembacaan: Naskah Bukan Pertunjukan

Dengan Bagian IV ini, seluruh naskah yang terdapat dalam kumpulan pilihan FTR 2026 telah kita bedah dari berbagai kemungkinan panggung. Dari rimba sampai rumah. Dari sungai sampai kerajaan. Dari ritual sampai media sosial. Dari hantu sampai persoalan keluarga. Dari tanah sampai hujan. Dari tradisi lama sampai layar digital.

Satu hal menjadi jelas adalah, naskah tidak pernah sama dengan pertunjukan. Naskah hanya menyediakan kemungkinan. Pertunjukan lahir ketika kemungkinan tersebut bertemu dengan: aktor, sutradara, ruang, cahaya, suara, musik, kostum, properti, waktu latihan, dan imajinasi kelompok.

Karena itu, sebelum memilih naskah, calon peserta FTR sebaiknya tidak hanya membaca sinopsis. Bacalah naskah sampai selesai. Bacalah keras-keras. Coba mainkan satu adegan. Lihat apakah aktor mendapatkan sesuatu untuk dimainkan. Bayangkan ruang panggungnya. Bayangkan penonton.

Kemudian tanyakan kepada kelompok masing-masing “Apakah kita ingin menjalani proses latihan untuk cerita ini?” Sebab memilih naskah pada akhirnya bukan hanya memilih cerita. Tetapi, setiap kelompok sedang memilih perjalanan artistiknya masing-masing.

Perjalanan itulah yang nantinya akan terlihat di atas panggung Festival Teater Remaja 2026.

Penulis: Titas Suwanda
Editor: Oky Akbar

Baca juga: Bagian V Memilih Naskah, Menemukan Panggung

September 21 2026

Membaca Naskah-Naskah Pilihan FTR 2026, Peta Awal Sebelum Pilihan Diputuskan (Bagian III)

admin Budaya 0

Keluarga, Tradisi, dan Pilihan Hidup

Pada pembahasan dua bagian sebelumnya, terdedah bahwa naskah teater tidak cukup hanya memiliki cerita yang menarik. Ia membutuhkan mesin yang dapat menggerakkan panggung, konflik yang terus bertumbuh, tokoh yang memiliki kehendak, serta kemungkinan untuk diterjemahkan menjadi bahasa tubuh, suara, ruang, cahaya, benda, dan hubungan antarpemain.

Pada bagian ini, dikupas sejumlah naskah FTR 2026 yang berangkat dari sesuatu yang sangat dekat dengan kehidupan sehari-hari: keluarga, perkawinan, adat, kepercayaan, pekerjaan, lingkungan, dan hubungan manusia dengan tradisinya.

Bahan-bahan semacam ini sebenarnya sangat kaya. Namun, ada satu pertanyaan penting bagi calon pemain dan sutradara: Apakah tradisi hanya menjadi latar cerita, atau benar-benar menjadi kekuatan yang mengubah hidup tokoh?

Sebab panggung tidak hanya membutuhkan informasi tentang sebuah tradisi. Panggung membutuhkan peristiwa. Tradisi menjadi menarik ketika seseorang harus memilih. Ketika seorang anak harus berhadapan dengan keputusan orang dewasa. Ketika kepercayaan berbenturan dengan kebutuhan. Ketika sesuatu yang diwariskan dari masa lalu tiba-tiba berhadapan dengan dunia hari ini. Di situlah cerita mulai bergerak.

Bagian ini mengupas tujuh naskah FTR 2026. Menuak, Nur, Patok, Penurun Hujan, Secanting Beras, Sumbun, dan Kenduri Sko.

1. MENUAK karya Diana Aini

Ada naskah lain berjudul Menuak dalam kumpulan FTR 2026. Naskah ini berbeda dari Menuak karya Megawaty S. yang dibahas pada Bagian II. Jika Menuak karya Megawaty berpusat pada kehamilan dan hubungan antara tradisi dengan pemeriksaan medis, Menuak karya Diana Aini bergerak ke wilayah yang jauh lebih gelap: keluarga, kecemburuan, kemiskinan, kekerasan, dan akibatnya terhadap anak.

Potensi dramatik yang menarik justru bukan ritualnya. Tradisi Menuak hadir sebagai bagian dari dunia cerita, tetapi kekuatan dramaturgis naskah ini sebenarnya dapat ditemukan pada hubungan antartokohnya. Leman, Midah, Bujang, dan tokoh-tokoh keluarga di dalamnya membuka persoalan tentang rumah sebagai tempat yang seharusnya memberi perlindungan, tetapi justru dapat menjadi ruang konflik.

Bagi penyutradara, ini adalah peluang untuk mengubah ruang rumah menjadi ruang psikologis. Satu meja, satu pintu, satu benda, dan satu bunyi dari luar. Semua dapat menjadi pemicu ketegangan.

Satu kemungkinan pengembangan yang menarik adalah menjadikan toko Bujang sebagai pusat emosional pertunjukan. Jika orang dewasa sibuk dengan persoalan mereka sendiri, apa yang dilihat seorang anak? Apa yang ia dengar? Apa yang ia pahami? Apa yang ia bawa setelah semua peristiwa itu selesai?

Dengan perspektif tersebut, kekerasan keluarga tidak hanya menjadi kejadian dramatis, tetapi menjadi pengalaman yang membentuk seorang anak.

Tantangan

Naskah memiliki muatan emosi yang berat. Karena itu, pertunjukan tidak perlu mengejar ledakan emosi terus-menerus. Justru kontras antara adegan biasa dan adegan tegang dapat membuat penonton lebih merasakan perubahan. Kelompok yang memilih naskah ini perlu memiliki aktor yang mampu bermain dengan emosi tertahan, bukan hanya menangis atau berteriak.

Sutradara perlu berhati-hati agar kekerasan tidak hanya menjadi alat untuk menghasilkan efek emosional. Jika semua konflik diarahkan menuju ledakan, pertunjukan dapat kehilangan lapisan. Bagaimana konflik itu tumbuh sedikit demi sedikit. Bujang, khususnya, dapat menjadi pintu masuk untuk membaca naskah ini dengan perspektif yang lebih dalam.

2. NUR karya Gavin Chandrawira

Nur membawa persoalan yang sangat dekat dengan kehidupan remaja perempuan: pendidikan, keluarga, perjodohan, dan pilihan masa depan. Nur masih memiliki keinginan untuk melanjutkan sekolah. Namun keluarga mulai membicarakan perjodohannya. Bahkan ketika Nur belum terlihat di ruang panggung, keputusan tentang hidupnya sudah dibicarakan oleh orang-orang dewasa. Di sinilah konflik naskah sebenarnya mulai bekerja.

Apa yang sebenarnya diinginkan Nur menjadi persoalan dramaturgis naskah ini. Tokoh Nur berada di tengah konflik, tetapi dalam beberapa bagian ia lebih banyak menjadi objek dari keputusan tokoh-tokoh lain. Padahal, panggung akan menjadi jauh lebih kuat apabila Nur sendiri memiliki kehendak yang harus diperjuangkan. Sebab konflik bukan hanya terjadi ketika dua orang berbeda pendapat. Konflik terjadi ketika seseorang menginginkan sesuatu dan ada kekuatan yang menghalanginya.

Siapa yang menentukan hidup Nur? Apakah Nur akan menikah atau sekolah? Apakah Nur memiliki kesempatan untuk menentukan sendiri masa depannya? Jika pertanyaan ini menjadi pusat pertunjukan, tokoh Nur harus memperoleh ruang sebagai subjek. Ia bukan sekadar anak perempuan yang menjadi bahan pembicaraan orang dewasa.

Tantangan

Naskah ini perlu menghindari jebakan “tradisi versus modernitas” yang terlalu sederhana. Tradisi tidak harus selalu menjadi pihak yang salah. Modernitas juga tidak otomatis menjadi jawaban. Hal yang jauh lebih menarik adalah mempertemukan manusia dengan pilihannya.

Jika dimainkan secara biasa, tokoh-tokoh orang tua dapat menjadi terlalu dominan. Sementara Nur hanya menunggu keputusan. Sutradara dapat mencari cara agar penonton mengetahui keinginan Nur secara kuat bahkan ketika ia tidak banyak berbicara. Bisa melalui surat. Benda sekolah seperti buku dan seragam, atau hubungan Nur dengan ruang rumah. Dengan begitu, keinginan Nur hadir bahkan ketika tubuhnya tidak selalu hadir di panggung.

Naskah ini sangat dekat dengan pemain seusia pelajar dan remaja karena persoalannya berhubungan dengan pertanyaan: Siapa yang berhak menentukan masa depan seorang anak? Itulah yang dapat membuat pertunjukan lebih kuat daripada sekadar menyampaikan pesan tentang pendidikan.

3. PATOK karya Alief Hasbunallah

Patok menawarkan sesuatu yang secara dramaturgis cukup menarik: konflik tanah dan kepemilikan yang diwujudkan melalui sebuah benda sederhana, patok. Benda kecil itu dapat menjadi pusat panggung. Ia dapat dipindahkan, dicabut, ditanam Kembali, diperebutkan. Bahkan dapat menjadi objek komedi sekaligus simbol perebutan ruang.

Tokoh-tokohnya yang menggunakan nama seperti Si Anu, Si Ini, dan Si Itu juga membuka kemungkinan pembacaan yang lebih absurd dan satiris. Sutradara sebenarnya memiliki peluang untuk tidak memainkan naskah Patok secara realis. Bayangkan jika patok bukan sekadar benda yang diletakkan di halaman, tetapi menjadi pusat permainan seluruh aktor. Ruang panggung dapat berubah hanya karena posisi patok berubah. Satu benda mengubah hubungan antarmanusia. Itulah salah satu cara benda sederhana menjadi bahasa teater.

Tantangan

Karena persoalannya dapat berkembang ke banyak arah, sutradara harus menentukan pusat konflik. Jangan sampai patok hanya menjadi alasan untuk menghadirkan serangkaian peristiwa lucu. Potensi dramaturgi yang lebih menarik adalah melihat bagaimana sebuah benda kecil dapat membongkar sifat manusia.

Persoalan utama naskah ini adalah penyebaran konflik. Karena persoalan tanah dapat merambat ke banyak tokoh dan kepentingan, cerita berisiko menjadi episodik. Sutradara perlu menemukan satu garis konflik utama. Bukan sekadar siapa mendapatkan tanah. Tetapi mengapa tanah itu begitu penting sehingga manusia bersedia melakukan apa saja untuk mempertahankannya? Ketika pertanyaan kedua mulai bekerja, patok tidak lagi sekadar properti. Ia menjadi simbol.

**4. PENURUN HUJAN karya Ayu Diah Lestary**

Penurun Hujan berangkat dari situasi yang sederhana: hujan menjadi sesuatu yang ditunggu, tetapi keluarga justru berdebat tentang siapa atau apa yang menyebabkan hujan turun. Tokohnya terdiri atas Bapak, Mamak, Kakak, dan Adik. Masing-masing memiliki cara pandang sendiri terhadap hujan: mistik, religius, tradisional, dan ilmiah.

Satu keluarga, banyak cara mengetahui dunia Inilah kekuatan naskah. Konflik tidak perlu dipahami hanya sebagai pertentangan paradigma agama versus ilmu pengetahuan. Ada adat. Ada pengalaman. Ada keyakinan. Ada sains. Ada keinginan manusia untuk memahami alam. Perdebatan tersebut menjadi menarik karena semua tokoh merasa memiliki alasan.

Konfliknya mempertemukan beberapa cara manusia memahami alam: ilmu pengetahuan, keyakinan, pengalaman, dan kepercayaan. Persoalannya kemudian bukan hanya siapa yang benar tentang hujan. Melainkan, apa yang dilakukan manusia ketika sesuatu yang sangat dibutuhkan berada di luar kendalinya?

Hujan sebaiknya tidak hanya hadir sebagai efek suara. Ia dapat menjadi bagian dari dramaturgi. Sebelum hujan: ruang kering, tubuh gelisah, suara angin. Setelah hujan: ritme berubah, tubuh berubah, suara berubah, cahaya berubah. Dengan pendekatan semacam itu, hujan menjadi pengalaman, bukan dekorasi.

Tantangan

Dialog naskah cukup banyak. Karena itu, kelompok yang memilihnya harus berhati-hati agar pertunjukan tidak menjadi “adu argumentasi” di ruang tamu. Pertanyaan yang mereka perdebatkan harus menghasilkan tindakan. Jika Bapak percaya sesuatu, ia melakukan sesuatu. Jika Adik percaya sesuatu, ia bertindak. Jika Kakak percaya sains, pengetahuannya harus memengaruhi tindakan panggung. Dengan begitu, gagasan menjadi peristiwa.

5. SECANTING BERAS karya Hendry Nursal

Secanting Beras mengangkat persoalan yang berhubungan dengan kepercayaan masyarakat terhadap anak dan kecerdasan. Sepasang orang tua, Ardi dan Lia, khawatir setelah anak mereka melakukan sesuatu yang kemudian dianggap sebagai pertanda bahwa anak tersebut akan menjadi bodoh. Mereka kemudian masuk ke dalam ritual yang berhubungan dengan “jual anak” dengan secanting beras.

Di balik unsur komedi dan ritual, ada persoalan yang cukup manusiawi, ketakutan orang tua terhadap masa depan anak. Apa yang terjadi ketika orang tua terlalu takut terhadap sesuatu yang sebenarnya belum terjadi? Apa yang terjadi ketika sebuah kepercayaan diwariskan tanpa benar-benar dipahami? Di sinilah naskah dapat dibaca lebih dalam.

Naskah ini memiliki peluang menjadi komedi rakyat. Tetapi kelucuan jangan hanya muncul dari karakter yang dianggap “percaya hal aneh”. Lebih menarik jika komedi muncul dari keseriusan tokoh menghadapi situasi yang absurd. Semakin sungguh-sungguh mereka mempercayai situasi tersebut, semakin kuat potensi komedinya.

Namun komedi memiliki satu bahaya ketika sesuatu ditertawakan, apa sebenarnya yang sedang kita tertawakan? Apakah perilaku manusianya? Ketidaktahuannya? Situasinya? Atau justru kepercayaannya? Pertanyaan ini penting karena cerita yang mengambil bahan dari tradisi mudah tergelincir menjadi sekadar lelucon tentang masyarakat tradisional. Padahal, teater dapat menertawakan manusia tanpa harus merendahkan kebudayaannya.

Ritual, pohon, ayam, beras, dan mantra dapat menjadi unsur visual. Namun jangan semuanya ditampilkan secara realis. Pohon dapat dibentuk oleh tubuh ensemble. Mantra dapat menjadi bunyi berulang. Secanting beras dapat menjadi benda simbolis. Dengan begitu, panggung memiliki dunia sendiri.

Tantangan

Jika akhir cerita terlalu cepat menjelaskan bahwa semua itu tidak nyata, misteri dan permainan imajinasi dapat berkurang. Sutradara dapat mempertahankan sedikit ambiguitas. Biarkan penonton bertanya apakah yang mereka alami benar-benar terjadi? Atau ketakutan merekalah yang membuat semua itu terasa nyata?

**6. SUMBUN karya Devi Hanan**

Sumbun membawa penonton ke Kampung Laut, Tanjung Jabung Timur, ketika musim sumbun tiba. Tokoh-tokoh muda datang berhadapan dengan tradisi Mutik Sumbun dan kehidupan masyarakat yang telah lama menjadikan sumbun bagian dari kebiasaan mereka.

Persoalan naskah menjadi menarik ketika anak muda memandang tradisi sebagai sesuatu yang melelahkan atau tidak menarik. Jamal, misalnya, lebih tertarik pada permainan digital daripada mengikuti tradisi berburu sumbun. Dialog tentang tradisi bahkan memperlihatkan bagaimana pengetahuan lokal diwariskan melalui cerita orang tua.

Konflik ini sangat dekat dengan kehidupan remaja: Apakah sesuatu harus dianggap penting hanya karena merupakan tradisi? Atau, haruskah tradisi menemukan cara baru agar tetap menarik bagi generasi berikutnya?

Potensi panggung musim sumbun memberi kemungkinan visual yang khas. Suara pantai, angin, lampu malam, aktivitas berburu, gerak kelompok. Semua dapat menjadi bagian dari koreografi panggung. Kelompok tidak harus membuat pantai secara realistis. Bahkan cahaya dan suara dapat membuat penonton membayangkan malam di Kampung Laut.

Tantangan

Naskah ini perlu menjaga agar perubahan sikap tokoh tidak terlalu sederhana. Lebih menarik adalah jika perubahan itu menyisakan pertanyaan. Apakah ia benar-benar memahami tradisi? Ataukah ia hanya mulai menghargainya karena mengalami sesuatu?

Ketika pada akhirnya misteri atau persoalan dibuka sebagai sebuah penipuan, ada kemungkinan energi cerita yang sebelumnya dibangun sebagai misteri menjadi berkurang. Karena itu, sutradara perlu mempertimbangkan kembali pusat ketegangannya. Jangan sampai penonton hanya menunggu: “Siapa yang sebenarnya melakukan itu?”

7. KENDURI SKO karya Fioren Edri

Naskah ini berlatar Desa Tanjung Tanah, Kerinci, dan menjadikan Kenduri Sko sebagai bagian penting dari kehidupan masyarakat. Gendhis digambarkan sebagai anak yang membantu keluarganya dan memiliki cita-cita menjadi dokter. Menjelang pelaksanaan Kenduri Sko, masyarakat mulai mempersiapkan berbagai kebutuhan upacara.

Kemudian muncul persoalan utama, pusaka yang akan digunakan dalam upacara ternyata hilang. Dari sinilah cerita berubah menjadi semacam misteri anak.

Gendhis mengingat sesuatu yang pernah dilihatnya. Arka ikut membantu. Ada kain yang ditemukan, catatan pesanan kain, penyelidikan terhadap Bu Ratna, hingga kecurigaan kepada Pak Salman. Secara panggung, ini sebenarnya cukup menarik. Ada benda yang dicari, ada petunjuk, ada waktu yang terbatas karena upacara akan segera berlangsung. Ada sejumlah properti yang dapat menjadi pusat permainan. Namun di sinilah kita perlu membedakan antara bahan lokal yang kuat dan dramaturgi yang kuat.

Sebagian besar energi cerita justru digunakan untuk menemukan siapa yang mengambil pusaka. Ketika pelaku akhirnya diketahui dan pusaka ditemukan, konflik utama segera selesai. Pak Salman terbukti bersalah, kemudian pelaksanaan Kenduri Sko dapat berlangsung. Akibatnya, Kenduri Sko sendiri lebih terasa sebagai latar penting bagi sebuah cerita detektif anak, bukan sebagai pusat konflik dramatik.

Padahal, benda pusaka memiliki kemungkinan makna yang jauh lebih besar. Pusaka bukan hanya benda yang hilang. Ia bisa menjadi ingatan, identitas. hubungan antargenerasi. Sesuatu yang membuat sebuah masyarakat mengenali dirinya sendiri.

Tantangan

Dari sisi keaktoran, tokoh Gendhis dan Arka memberi ruang yang cukup baik bagi eksplorasi potensi keaktoran pemain muda. Mereka aktif bergerak, mengamati, membuat dugaan, dan mengambil keputusan. Gendhis bahkan menjadi penghubung penting dalam menemukan petunjuk. Ia mengingat kejadian yang dialaminya dan menghubungkannya dengan kain yang ditemukan. Namun perjalanan batin mereka masih dapat diperdalam.

Naskah ini memiliki cukup banyak benda yang dapat menjadi bahasa visual: pusaka, kain, buku catatan, rumah lama, Keramnatang, bambu berisi lemang, hingga benda-benda pusaka yang dibersihkan dalam prosesi. Pelaksanaan Kenduri Sko sendiri menyediakan kemungkinan visual yang cukup kaya. Tetapi tantangannya adalah jangan sampai semua kekayaan visual itu hanya muncul di bagian akhir. Kalau sepanjang pertunjukan penonton terutama melihat proses penyelidikan, lalu pada akhir pertunjukan baru diperlihatkan Kenduri Sko, maka judul dan isi pertunjukan dapat terasa tidak sepenuhnya seimbang.

Dari Keluarga hingga Tradisi

Tujuh naskah pada bagian ini memperlihatkan bahwa konflik besar dapat tumbuh dari hal-hal yang sangat dekat. Menuak berbicara tentang luka keluarga, Nur tentang hak menentukan masa depan, Patok tentang batas dan kepemilikan, Penurun Hujan tentang cara manusia memahami alam, Secanting Beras tentang ketakutan dan kepercayaan. Sumbun dan Kenduri Sko tentang pewarisan tradisi.

Jika dimainkan oleh kelompok pelajar dan remaja, semua persoalan tersebut dapat dibaca dari pengalaman generasi sekarang. Sebab teater tidak harus selalu bertanya: “Apa yang terjadi dahulu?” Teater juga dapat bertanya: “Apa arti cerita itu bagi kita sekarang?”

Penulis: Titas Suwanda
Editor: Oky Akbar

Bersambung ke Bagian IV: Ritual, Tubuh, dan Ruang Pertunjukan.